Alberto Giacometti, uno dei più significativi scultori del Novecento, in mostra dall’8 ottobre 2014 al 1 febbraio 2015 alla GAM – Galleria d’Arte Moderna di Milano con capolavori assoluti quali Boule suspendue, Femme qui marche, La cage, Quatre femmes sur socle, Buste d’Annette o ancora la monumentale Grande femme. A cura di Catherine Grenier, direttore e capo curatore della Fondazione ‘Alberto e Annette Giacometti’ di Parigi, da cui arrivano le oltre 60 opere in mostra.

Stanno prevalendo l'omologazione seriale, la trasformazione dei viventi in cose e la distruzione su scala globale della natura.
Per quanto ci si sforzi di concettualizzare e speculare, alla fine tutto questo noi lo sentiremo (e iniziamo già a sentirlo) con i nostri corpi.

Molte coscienze si stanno risvegliando e stanno realizzando che se il corpo è (e sarà) la massima vittima di quanto accade, è proprio dal corpo che si deve ri-partire per cambiare lo stato delle cose. E del corpo la PELLE (skin) è la parte che ci mette in contatto e relazione più profonda con gli altri e con la natura: il toccarsi di due corpi, il contatto con l'aria, l'acqua e l'erba, il freddo ed il calore.

La PELLE, il simbolo perfetto della funzione relazionale del corpo.

Viviamo in una specie di formicaio, ognuno di noi ha il proprio compito all'interno della comunità, abbiamo ruoli al lavoro, in famiglia, quando guidiamo e anche quando ci rilassiamo... sempre e solo ruoli e regole, siamo uno dei milioni di ingranaggi che servono per mandare avanti quel meccanismo complesso chiamato società, un meccanismo sempre pronto ad eliminarci o a escluderci non appena iniziamo a perdere qualche colpo.

L'avrò ormai detto anche troppe volte ma siamo così fissati con gli schemi imposti che facciamo fatica ad esprimere un nostro giudizio, non riusciamo più a ricercare il bello o la perfezione assoluta ma ci fermiamo solo ad esprimere bisogni, desideri ed epinioni relative... relative si, ma non una dall'altra ma sempre relativamente alla società. 

Ogni artista esprime la propria personale esperienza artistica attraverso non solo le sue opere ma anche attraverso la scelta dei soggetti da ritrarre. Se con un minimo d'esperienza possiamo riconoscere e distinguere un autore dall'altro attraverso il segno e la forza espressiva usata, possiamo intraprendere una sorta di analisi trasversale analizzando i soggetti utilizzati e le caratteristiche peculiari di questi.
Restando nel campo della scultura prendiamo ad esempio due maestri figurativi molto famosi: Rodin e Messina. Mentre il primo, sicuramente influenzato dalla turbolenta relazione con Camille Claudel (modella, amante ed allieva) predilige volti carnosi, particolareggiati e talvolta dai contorni forti e decisi, per Francesco Messina il coinvolgimento emotivo è quasi impercettibile, la ricerca si spinge maggiormente verso un ideale di bellezza classica, proporzioni e lineamenti al limite della stilizzazione come se le sue danzatrici fossero figure oniriche, indiscutibili ma nello stesso tempo figure dove sensualità e femminilità vengono portate allo scoperto, enfatizzate e promosse.

E' una variante della patinatura ad effetto bronzo ossidato anche se da quest'ultima si discosta per un effetto  di maggior aggressività estetica. L'utilizzo accorto di colori abbinati a forme e materiali inerti crea un vero effetto di superficie rameica ossidata e corrosa dal tempo.
Iniziamo con il preparare la nostra superficie (che può essere tranquillamente una tela da pittura, un oggetto in terracotta o qualsiasi superficie che permetta l'aggrappaggio del colore acrilico) stendendo una prima mano (se necessario) di primer, fondo o turapori. Eliminiamo qualsiasi rugosità carteggiando con carta molto fine, stendiamo molto bene (usando un pennello largo e di media durezza) il colore acrilico effetto rame e passiamo quindi una mano di velatura color verde vescica (operiamo diluendo una parte di colore in sette di acqua) meglio se applicata con la tecnica del cartoncino strappato, lasciamo asciugare il tutto e procediamo creando macchie ed aloni attraverso spugnature e gocciolature con acrilico verde acqua abbastanza liquido e reso opaco dall'aggiunta dell'apposito medium.

Una domanda che mi è stata rivolta alcune volte sul Portale della Scultura è relativa alla pulizia degli attrezzi utilizzati tanto nel modellato, nella ceramica, quanto nella lavorazione di stampi in gesso.

L'argomento potrebbe a prima vista sembrare banale, un po' d'acqua tiepida ed olio di gomito sarebbe la risposta più comune ed immediata da dare ma non sempre la buona volontà è sufficiente ad eliminare il rischio di rovinarli. Dobbiamo innanzitutto considerare il materiale con cui sono stati realizzati: generalmente stecche e mirette sono costituite da una parte in legno ed un filo (nel caso delle mirette o occhielli) a filo tondo o tagliente in acciaio inox; una buona pulizia con detergente neutro ed acqua tiepida è quindi più che sufficiente ad eliminare ogni traccia d'argilla e di eventuali ossidi presenti (che potrebbero andare a "contaminare" il successivo lavoro).

Se un pittore o un artista leggesse quello che sto per scrivere sicuramente muoverebbe forti critiche sul metodo anche se magari lui stesso ha usato tecniche simili per riprodurre immagini e foto passandole poi per sue capacità. Quello che descriverò a breve non va infatti inteso come un modo per mascherare la nostra eventuale inabilità a riprodurre su foglio oggetti e personaggi ma solo un utilissimo esercizio, tra l'altro molto facile e divertente, per prendere dimestichezza con forme, linee e proporzioni.

Il materiale occorrente è sicuramente molto economico, ci basterà una matita morbida 2B-3B, della carta velina o dei fogli lucidi, un giornale o delle immagini da utilizzare.

Una delle tecniche più interessanti che ho verificato ed apprezzato è la tecnica dello sparare a salve. Non mi riferisco ad una tecnica da poligono anche se la prima volta che ne ho sentito parlare riguardava lo sport del tiro con l'arco ma una tecnica atta a modificare il nostro modo di percepire e raffigurare le cose attraverso il modellato, il disegno e l'arte in generale. Tutti sappiamo quanto la parte razionale del nostro cervello ci guidi durante la vita e nelle varie situazioni ma non tutti sanno che è proprio questa zona dell'emisfero sinistro gioca un ruolo antagonista nella creazione artistica. Così come nella vita reale alcune scelte si rivelano migliori se fatte seguendo il proprio istinto, lasciandoci guidare dalle nostre impressioni anzichè seguire il freddo ragionamento, così nell'arte dobbiamo delegare alla zona razionale del nostro cervello solo ed esclusivamente lo studio e l'apprendimento delle varie tecniche. Così per fare un esempio, se dobbiamo ritrarre una mano, la nostra parte creativa ed irrazzionale (emisfero destro) si baserà su quello che effettivamente vediamo o percepiamo attraverso i nostri sensi, le nostre sensazioni e le relative rielaborazioni.

Dal 20 settembre 2014 Palazzo Strozzi a Firenze riporta l’attenzione sull’arte moderna con un nuovo importante evento dedicato a uno dei più grandi maestri della pittura del XX secolo: Pablo Picasso.

La mostra presenta un’ampia selezione di opere del grande maestro dell’arte moderna che permette di riflettere sulla sua influenza e sul confronto con importanti artisti spagnoli come Joan Miró, Salvador Dalí, Juan Gris, Maria Blanchard, Julio González: l’arte che riflette sull’arte e sul rapporto tra realtà e surrealtà, l’impegno dell’artista nella tragedia storica, l’emergere del mostro dal volto umano, e la metafora del desiderio erotico come fonte privilegiata di creazione e visione del mondo.

La scultura di Medardo Rosso e la fotografia di Angelo Garoglio insieme per una mostra in programma da mercoledì 15 ottobre a domenica 9 novembre 2014 allo Spazio Don Chisciotte della Fondazione Bottari Lattes (via della Rocca 37- Torino).

Medardo Rosso fotografava le proprie sculture dando testimonianza di come la fotografia appartenesse di diritto alla sua poetica; Angelo Garoglio, facendo tesoro della ricerca e degli intenti di Rosso, ci racconta la sua visione, presentando al pubblico le immagini delle due cere su gesso “Bambino ebreo” del 1892-93 e “Bambino al sole” del 1892, di cui la prima sarà visibile al pubblico per la prima volta.